Esta web utiliza cookies para obtener datos estadísticos de la navegación de sus usuarios. Si continúas navegando consideramos que aceptas su uso. Más información Cerrar

Los orígenes de la pintura abstracta (IV)

“El ver interiorizado es el contenido de la Nueva Consciencia” dice Mondrian, ver a través de la naturaleza, porque todo y ser el arte abstracto un arte antinaturalista, parte de la naturaleza, como dice Mondrian en el libro “Realidad Natural y Realidad Abstracta”: “La naturaleza me emociona profundamente. Sólo que la pinto de otro modo”. Es “la necesidad interior” que dice Kandisnky donde debe brotar el arte, la música de Debussy, dice Kandinsky, que transforma la naturaleza en imagen espiritual, saca la belleza interior de la naturaleza, aquella que parece fea a los ojos que no están educados.

En la apariencia de la naturaleza está lo trágico, las cosas en su corporeidad, como curvatura, la complejidad de planos, la angulosidad, la plasticidad. Hay que abstraer de estas causas naturales la esencia, como diría Cézanne, el cono, el prisma y la esfera, hacer vislumbrar la verdad, que como dice Hegel, es el objetivo del arte. Como dice Malevich “hay que perfeccionar la naturaleza” o como nos decía Shelling “Debe (el artista), pues, alejarse del producto o de la criatura, pero sólo para elevarse hasta la fuerza que los crea y apoderarse espiritualmente de ella. Por este camino se lanza él a la región de los conceptos puros; abandona lo creado para reconquistarlo con mil apropiaciones y retornarlo, en este sentido, todo a la naturaleza”.

La interiorización hacia la abstracción es un proceso y es el deber del artista para servir a la sociedad como diría Kandinsky. “La forma de un objeto es siempre el ser formado por mi, por mi actividad anterior” nos dice Wörringer, es la base de todo artista, como la necesidad interior de Kandinsky. Wörringer nos dice en su libro “Abstracción y Naturaleza” que la tendencia a la realidad y a lo natural es un acercamiento a la vida orgánica y debe existir el arte que brote de necesidades psíquicas y satisfaga necesidades psíquicas. Y solo en ese sentido la historia del arte es equivalente a la historia de las religiones. Las necesidades físicas del hombre frente al caos del cosmos, y para entender y ordenar este cosmos hay que desprender cada cosa individual perteneciente al mundo exterior, de su condición arbitraria y aparente casualidad; para eternizarlo acercándolo a las formas abstractas.

Wörringer también nos dice que el estilo más perfecto, es el estilo de la más alta abstracción, el más riguroso en suprimir todo lo que es vida, que es propio de los pueblos en su más primitivo nivel cultural. También podemos vincular Mondrian con Wörringer en cuanto dice este último, que el hombre primitivo podía encontrar el reposo en lo abstracto frente a la multiplicidad de la realidad y el caos de su entorno. Mondrian encuentra el reposo también en la pintura abstracta, según él, el reposo se consigue con la expresión de la relación equilibrada que se expresa en lo visible real velado, lo que hay que abstraer y materializar en la pintura abstracta. La relación equilibrada, el hombre y Dios como unidad, la consciencia de lo universal que hace aumentar la belleza, la unión entre naturaleza y espíritu.

Esta relación en Mondrian, se expresa con la línea recta y la octogonal, ya que esta expresa los contrarios, la dualidad de que está formado la vida y el ser humano, y a través del color puro. Según Wörringer, los primeros productos artísticos de pueblos cuyo arte deja ver una evolución no son naturalistas sino de tipo ornamental-abstracto. Los principios del afán estético tienden hacia lo lineal-inorgánico, contrario a toda proyección sentimental. Aquí también encontramos relación con Mondrian y también con Malevich, sabemos no solo en Mondrian y Malevich sino en la mayoría de artistas modernos encontramos la atracción hacia la abstracción de lo primitivo, como he explicado más arriba, por sus formas esquemáticas y esenciales.

Esta llegada a la abstracción y a la autoconciencia de Mondrian o de autoconocimiento como diría Hegel, cuando se refiere a que el arte es una forma de conocimiento, que a través de la obra de arte vemos reflejados nuestros sentimientos y nos hace ser autoconscientes. Digo esto último porqué tiene relación con la maduración de la que nos habla Mondrian, pues esta llegada tiene un proceso que pasa por los diferentes movimientos artísticos que he hablado más arriba y que Mondrian nos lo explica en su libro. Según Mondrian la ruptura de la corporeidad visual, es decir la rotura con lo orgánico como diría Wörringer, empieza con Cézanne, la escuela de los cubistas con Picasso y Kandinsky, en ellos la plástica actúa más expresivamente, empieza a reducirse la imagen de la corporeidad de las cosas a una composición de planos, a favor de la bidimensionalidad, se expresa el espacio.

Cézanne expresaba la forma por medio del color, los fauvistas y Van Gogh expresaban ya manifestamente la línea a través del contorno y Cézanne mantenía plano el color. Con el cubismo el color obtiene más concreción, de la ruptura de la forma nace la verdadera concreción del color y la concreción de la recta. En la imagen real-abstracta, la Nueva Imagen, el color es el medio de expresión, la forma se suprime con el color y el color se libera de lo natural. En el cubismo se acentuaba la composición y en la Nueva imagen se expresa la composición misma. Picasso ya se adelanta, dice: “Pintar buscando una nueva expresión desnuda de todo realismo inútil con un método unido solo a mi pensamiento”, de nuevo aquí encontramos también la premonición de Hegel sobre la muerte del arte como ocurrirá con el dadaismo. O Braque “El pintor piensa en términos de forma y color”.

En los modernos como Van Gogh, Gauguin, Matisse, Juan Gris, Picasso, Braque, entre otros, se denota las ansias por el acto pictórico como un hecho, lo que importa a diferencia del academicismo y los griegos, no es lo literario, sino la pintura en ella misma que luego evolucionará hacia la abstracción y más tarde en el informalismo y el expresionismo abstracto. La geometría es un aspecto común en todas las épocas pero con significados distintos desde la perspectiva clásica hasta la geometría por ella misma de Mondrian y Malevich. Kirchner nos dice en su texto “Acerca de la gráfica” que la xilografía es la técnica que valoriza al máximo el elemento lineal gracias a su gran simplificación”, vemos también en él la tendencia hacia la abstracción, y el alejamiento del naturalismo como vemos en casi todos los artistas más importantes del modernismo. Según Kandinsky, cuanto más el artista se aleja del naturalismo más libre es. Vemos en Gauguin la misma idea “No trabajéis tanto según la naturaleza. El arte es abstracción. Tomad de la naturaleza lo que de ella veáis en vuestros sueños”. En todos ellos se refleja también el espíritu del tiempo, el hecho que defienden un arte que sea reflejo de su tiempo como también defienden los abstractos.

Sandra Sàrrias

9/2/2013

comparte

Artículos destacados

"Santa Catalina de Alejandría" de Rafael

La obra "Santa Catalina de Alejandría" de 1507/1508 forma parte del final de la época florentina de Rafael, marcada por una especial singula ...

Exposició “Arquitectures pintades” a la F ...

La Rosa Solano en aquesta exposició, ha anat a la cerca de la geometria i de l’ordre de les coses, a través de les seves obres ha recreat un ...